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sábado, noviembre 18, 2006

Maria Joao Pires ofrecerá el lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castellón bajo la dirección de Emmanuel Krivine

La pianista Maria Joao Pires ofrecerá el próximo lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castelló. El espectáculo se enmarca en el ciclo 'Abono de Otoño' de Castelló Cultural y su director será Emmanuel Krivine. Pires actuará con la Chamber Orchestra of Europe. Durante el concierto se podrá escuchar la Obertura de 'Der Freischütz', de Weber; el Concierto para piano y orquesta nº 4 en sol mayor op.58, de Beethoven, y la Sinfonía nº 2 en re mayor op-73, de Brahms.

Pires, nacida en 1944 en Lisboa, es una de las principales concertistas de piano del mundo, además de una de las figuras "más emblemáticas" de la cultura portuguesa. Su primera actuación en público fue a los cuatro años. Estudió en Portugal con Campos Coelho y Francine Benoit y, más tarde, con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania. Durante quince años ha grabado para el sello Erato y durante otros quince años, para el sello Deutsche Grammophon.

En la década de los 70 se consagró a una reflexión sobre la influencia del arte en la vida, en la comunidad y en la escuela, intentando desarrollar nuevos medios de implementación de esta pedagogía en la sociedad. Busca nuevas formas de comunicación que respeten el desarrollo del individuo, como oposición a la lógica destructora y materialista de la globalización.

En 1999 creó un centro para el estudio de las artes en Belgais. En la actualidad, ha extendido la divulgación de la filosofía y pedagogía de Belgais a Bahía, en Brasil. En el año 2005 creó 'Impresses d'Arte', un grupo experimental de teatro, danza y música.

Entre otros, es ha obtenido el Gran Premio Internacional de Disco Frederic Chopin, en 1995. Los discos de Bach y Chopin obtuvieron el Gran Premio Internacional de Disco de la Academia Charles Cros en 1996 y 1997, respectivamente. En 1996 grabó los tríos para piano de Brahms, obteniendo en 1997 el Gran Premio Internacional de Disco 'in honorem'. En 1996 estuvo nominada para un Grammy. En 2002 le fue atribuido por la UNESCO el Premio de Música 2002.

Emmanuel Krivine

De origen ruso y polaco, Emmanuel Krivine mostró desde muy joven un gran entusiasmo por la música sinfónica y el órgano. Comenzó su carrera musical como intérprete de violín, obteniendo el Primer Premio del Conservatorio de París a los dieciséis años.

En 1965, su encuentro con Karl Böhm en Salzburgo fue decisivo para que poco a poco abandonara su carrera como solista de violín por la dirección de orquesta.

Krivine ha participado en numerosas giras con las más prestigiosas orquestas, entre las que se incluyen la Filarmónica de Berlín, London Symphony Orchestra, Concertgebouw de Amsterdam, Orquesta Nacional de Francia, Chamber Orchestra de Europe, NHK de Tokyo y Yomiuri Symphony Orchestra, así como las orquestas sinfónicas de Boston, Cleveland, Filadelfia, Los Angeles y Montreal.

En la temporada 2003-2004, Emmanuel Krivine aceptó el puesto de Principal Director Invitado de una nueva orquesta: la Chambre Philharmonique. Sus fundadores, un grupo de músicos de todos los rincones de Europa, se han dedicado a investigar e interpretar el repertorio clásico y romántico, utilizando en cada caso los instrumentos más apropiados para cada composición y época.

Viento del este

Por Ramon G. Avello

Información Recopilada de ElComercioDigital:

http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061118...

La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Monnaie, de Bruselas, no es sólo una gran orquesta, sino también una caja de sorpresas y entusiasmos. Es grande, además de por el nombre, por el número de sus componentes, con una cuerda grave, violonchelos y contrabajos, de enorme contundencia, por la calidad sonora. Dirigida por Kazushi Ono, nos ofreció un concierto memorable. Imaginemos la precisión del mejor reloj japonés, una sensibilidad para el detalle aislado, también nipona, un gusto sensual por el matiz de ascendencia francófona, un motor contundentemente alemán y una sensibilidad exasperadamente expresionista rusa. Sumemos todo y obtendremos las cualidades del director japonés. Al frente de la orquesta, interpretó en la primera parte un Debussy y Ravel sugerente, hipnotizante en el caso del 'Bolero', (18 minutos justos, como mandan los cánones) y, en la segunda parte, una 'Quinta' de Shostakovich.

Tras el sereno 'Preludio ...', de Debussy, llevado con una sugerente languidez sobre fraseos muy fluidos y cadenciosos de los instrumentos de viento -excepcional el arranque de la flauta- llegó la primera sorpresa de la noche. 'Le Valse', de Ravel. Una versión que nos llevó desde una imagen nebulosa inicial niebla al paroxismo enloquecido, pasando por calidoscopio de colores y matices. Versión de una fuerza arrebatadora, y al mismo tiempo de una frágil delicadeza. Le siguió una modélica versión del famoso 'Bolero'.

En la segunda parte, Kazushi Ono dirigió de memoria la densa 'Quinta', de Shostakovich. Una obra ambigua, que bajo una intencionalidad de congraciarse con el poder soviético, esconde una idea de angustia, de terror y al mismo tiempo de burla e ironía, manifestada en la banalidad 'victoriosa' del final.

Zaragoza.- Ejea acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento'

El municipio zaragozano de Ejea de los Caballeros acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento', recital a cargo de la orquesta Cabaletta. Su actuación tendrá lugar en el Teatro de la Villa y comenzará a las 21,30 horas.

La Orquesta Cabaletta nace en el año 2004 y, dependiendo de los programas a interpretar, está compuesta por hasta un máximo de 60 profesores. Su director titular es Sergio Franco. Aunque la mayoría de sus componentes son aragoneses, también hay músicos de otras comunidades autónomas.

Durante el año 2004 y principios del año 2005, Cabaletta interpretó la ópera 'Carmen' de Bizet, durante su gira. Además, dedicaron el resto del año 2005 a interpretar el 'Requiem' de Mozart en cerca de 20 recitales, y la 'Maurerische Trauernmusik' del mismo autor.

En 2006, año del 250 aniversario de su nacimiento, también han organizado ciclos de conciertos con programas del genial músico austríaco, uno de los cuales llega a Ejea esta noche de la mano de CAI.

La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres


La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres, tras dar un concierto en homenaje por el 60 aniversario de la Royal Philharmonic Orchestra.

La argentina tocó anoche bajo la dirección de su ex esposo, el suizo Charles Dutoit, el concierto para piano de Ravel en G mayor.

"El hechizo de Ravel por su concierto para piano en G mayor encontró su exponente más celebrado en la interpretación de la legendaria Martha Argerich, su electrizante actuación junto a Charles Dutoit provocó que la audiencia demandara por más. Fue un espectáculo único", escribió la prensa británica.

Tras ser ovacionada durante más de 15 minutos por el público y salir cuatro veces ante los aplausos de la exigente audiencia local, la argentina tocó una partita de Bach.

El concierto homenaje a la Royal Philharmonic Orchestra incluyó la suite Karelia, de Sibelius, y el cierre de la gala, con "Scheherazade", de Rimsky-Korsakov.

Argerich, nacida en 1941 y alumna de maestros como Arturo Benedetti Michelangeli y Stefan Askenase, obtuvo en 1965 el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin.

Además, fue ganadora de tres premios Grammy, en 2000, 2005 y 2006.

Dirige cada año en el Teatro Colón de Buenos Aires, el Festival Martha Argerich, donde además de conciertos ofrecidos por músicos e interpretes internacionales, se celebra el concurso de piano, en el que Argerich es presidente del Jurado.

viernes, noviembre 17, 2006

La OV interpreta en el Teatro Monumental de Madrid a Mahler

Información Recopilada de Union-Hoy:

La Orquesta de Valencia, bajo la dirección de su titular, Yaron Traub, interpreta este jueves 16 y mañana viernes 17, en el Teatro Monumental de Madrid la "Sinfonía nº 5" de Gustav Mahler, con motivo de un programa de intercambio con la Orquesta y Coro de la RTVE.

Mahler es el compositor elegido por las dos formaciones ya que la orquesta madrileña, dirigida por su titular Adrian Leaper, interpretará este viernes en el Palau de la Música su "Sinfonía nº 3", junto con la contralto polaca Ewa Podles y la Escolanía de Ntra Sra. del Recuerdo.

La Orquesta continúa así desarrollando todo el ciclo sinfónico mahleriano -el mes pasado abría la Temporada con la primera o "Titán"- de mano de Traub, especialmente alabado por la crítica por su capacidad para transmitir el espíritu de Mahler.

De hecho, fue con la interpretación de la Quinta Sinfonía de Mahler hace un año en Valencia, con la que Yaron Traub estrenó su titularidad al frente de la Orquesta de Valencia y como señaló el crítico de Union-web, Joaquín Guzmán "la recreación de la obra fue magnífica. Es de alabar el interés de Traub por hacer sobresalir las voces más ocultas de la sinfonía. Fue una lectura transparente. Traub, sin duda, promete y mucho". (Joaquín Guzmán, Unión-web, 26-10-05)

Con estos conciertos hoy y mañana en el Teatro Monumental de Madrid - para los que las entradas están agotadas- la Orquesta de Valencia continúa con sus visitas programadas para la Temporada 2006/7 por toda la geografía española: Mahler en Madrid; Dvorák y Säint-Säens en Soria; y Debussy y Ravel en Valladolid en junio.

López Cobos dirige con OBC por primera vez sinfonía de Hans Rott

Jesús López Cobos dirigirá la Orquesta de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC) en su primera interpretación de la Sinfonía en mi mayor (1878-1880) de Hans Rott, una pieza que el compositor austríaco escribió a los 20 años y 'cuyos movimientos tercero y cuarto avanzan mucho a Mahler'.


El director musical del Teatro Real trabajará durante quince días con la orquesta catalana y ha presentado hoy los recitales de música de Beethoven, Brahms y Rott que ofrecerá este fin de semana y el próximo en el Auditorio de Barcelona, sede de la OBC.

Compañero 'de pupitre' de Mahler, Rott escribió esta sinfonía y otras dos antes de volverse loco, ser internado y fallecer a los 26 años, y en vida culpó en gran parte a Brahms de su locura y de no haber podido obtener una beca, ha explicado López Cobos.

La obsesión de Brahms con Rott la ha llevado López Cobos al auditorio barcelonés al dirigir los días 24, 25 y 26 de noviembre un recital en cuya primera parte la OBC tocará el 'Concierto para violín y orquesta en re mayor, op. 77' (1878) y en la segunda la sinfonía de Rott.

López Cobos ha señalado que la combinación de las obras de los dos compositores 'es interesante' y constituye un programa 'que nos es fácil porque tiene mucho viento'.

Ese programa está precedido por uno más clásico este fin de semana, los días 17, 18 y 19 de noviembre, sobre las sinfonías número 1 y 7 de Ludwig van Beethoven, dos sinfonías rítmicas en las que la OBC combinará una sinfonía pequeña con otra de las más grandes de Beethoven.

En calidad de director invitado, López Cobos ha explicado que tiene previsto para su próxima temporada en febrero (2007-2008) ofrecer en el auditorio barcelonés dos programas similares a los de ésta.

El director musical prefiere trabajar con la OBC dos semanas seguidas para 'acostumbrarse a la acústica de la sala' y establecer una complicidad con la orquesta, lo que se traduce en 'una sensación de continuidad', ha agregado Joan Oller, director general del Auditori.

No ha querido opinar sobre el reciente cambio de director titular de la orquesta catalana porque 'todo va a cámara lenta, no se nota hasta los dos años, y aún no ha tenido tiempo de imprimir su sello a la orquesta'.

López Cobos se 'resiste a que le encasillen como director musical de ópera' y ha tomado la decisión 'de dedicarme en cuerpo y alma al Real entre septiembre y junio' y 'después puedo hacer otras cosas, aunque me queda poco tiempo'.

El director de orquesta de Toro (Zamora) ofrecerá un concierto en diciembre en la nueva Opera de Valencia 'Palacio de las Artes Reina Sofía', lugar que 'le parece fantástico' y sobre el que ha dicho que 'cuantos más haya mejor'.

Lo ha puesto como ejemplo de lo que se puede hacer cuando hay voluntad política, aunque 'veremos cómo evoluciona, tengo miedo de que sea una 'falla'.

Jesús López Cobos ha considerado que un teatro como el de la nueva ópera valenciana, en un lugar en 'el que no hay tradición, es difícil de mantener'. 'Lo fácil -ha dicho- es abrir un teatro, lo difícil es mantenerlo'.

miércoles, noviembre 15, 2006

Sinfónica Tenerife inaugura temporada con sinfonías Beethoven

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/sinfonica_tenerife_beethoven_1210735.htm

La Orquesta Sinfónica de Tenerife inaugurará el viernes la nueva temporada con un ciclo dedicado a la integral de las nueve sinfonías de Beethoven, que comenzará con la sexta, 'Pastoral', y la séptima, bajo la batuta de su director honorario, Víctor Pablo Pérez.


Víctor Pablo Pérez fue hasta junio el responsable titular y artístico de la formación sinfónica, señala el Cabildo de Tenerife en un comunicado, en el que asegura que para el concierto inaugural se han elegido dos de las partituras 'más luminosas' de Ludwig van Beethoven.

Este ciclo permitirá conseguir varios objetivos artísticos y divulgativos, pues para la orquesta supondrá todo un reto la posibilidad de enfrentarse durante cinco programas consecutivos a un corpus sinfónico que ha supuesto un referente paradigmático y clave para el canon musical occidental, añade el Cabildo.

El hecho de que sean cuatro directores diferentes quienes se hagan responsables de esta integral hará que se produzcan contrastes entre sus enfoques, tendencias y sonoridad, que sacarán de la orquesta toda la flexibilidad técnica y estilística de la que ésta es capaz.

Además este proyecto supone una propuesta didáctica y divulgativa de primer orden, pues tras el aumento y renovación de público que ha supuesto el traslado al Auditorio de Tenerife de la temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, una integral sinfónica de Beethoven constituirá 'una puesta a punto' para familiarizar a los nuevos espectadores con los pilares del repertorio orquestal de Occidente.

La misma posibilidad de escuchar esta monumental creación sinfónica en su integridad también constituye en sí misma una aportación sensacional para los públicos de larga tradición que las hayan escuchado separadamente en el pasado, se indica en el comunicado.

Fue Manuel de Falla uno de los pilares de la música nacional española

Información Recopilada de MunHispano:
http://www.munhispano.com/?nid=255&sid=642056

Recordado como uno de los pilares de la música nacional española, el prolífico compositor Manuel de Falla, autor de obras como "El amor brujo", "El sombrero de tres picos" y "La vida bella", murió el 14 de noviembre de 1946, en Buenos Aires, Argentina.

Dentro de una tradición musical por parte de la familia de su madre, Falla nació en la ciudad de Cádiz, España, el 23 de noviembre de 1876 y sus primeros años los pasó entre cantos, danzas y las historias de su nana Morilla.

Con la enseñanza de su progenitora, Manuel aprendió a tocar el piano desde muy temprana edad y después Eloísa Galluzo se encargó de su iniciación profesional en la música, cuando aún no cumplía 10 años.

Pronto se sintió atraído por ese arte, sin embargo antes de dedicarse de lleno a la música, experimentó la actividad literaria y periodística, incluso Manuel confesó que su vocación se inclinaba más por la narrativa.

Como muestra de su gusto literario, fundó con la colaboración de sus amigos, las revistas "El Burlón" y "El cascabel", entre los años 1889 y 1891, y cuando asistió a un concierto en Cádiz decidió dedicarse a la música.

A partir de 1896 comenzó a viajar a Madrid, donde asistió al Conservatorio. Allí se perfeccionó en piano con José Tragó, logrando en 1899 obtener un primer premio en un concurso de intérpretes del instrumento, y mas tarde graduarse con honores.

Por esta época, el joven músico empezó a usar el apellido "de Falla", con el que será conocido. Tras algunas zarzuelas poco afortunadas como "Los amores de Inés", De Falla ganó el primer premio en el concurso de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, por su composición de la ópera "La vida bella".

Viajó a París, donde conoció a Claude Debussy, Maurice Ravel y Dukas, cuya influencia fue determinante en varias obras posteriores como "Noches en los Jardines de España", la cual muestra su madurez creativa.

A su regreso a España, mostró un importante crecimiento a través de obras como "La pantomima", "El amor brujo", "El sombrero de tres picos", "Las siete canciones populares españolas para voz y piano", "Fantasía bélica para piano" y "Noches en los Jardines de España".

Su estilo fue evolucionando desde el nacionalismo folclorista a uno que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español, al que responden la ópera para marionetas "El retablo de maese Pedro", una de sus obras más alabadas, y el "Concierto para clave y cinco instrumentos".

En medio del éxito, De Falla se exilió en Argentina, a causa de la Guerra Civil Española. En 1941 su salud se deterioró seriamente, aunque continuó con sus actividades. En 1945 la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina lo nombra académico correspondiente.

Manuel de Falla murió el 14 de noviembre de 1946, nueve días antes de cumplir 70 años, a causa de un paro cardíaco mientras dormía. Al año siguiente sus restos fueron trasladados desde Buenos Aires a Cádiz, donde fueron recibidos por su familia y autoridades eclesiásticas, civiles y militares.

El cortejo fúnebre se dirigió del muelle a la Catedral, donde se celebró un solemne funeral. Sus restos fueron enterrados en la Cripta de la Catedral de Cádiz.

Interesante recital de contrabajo y piano en la continuación del Ciclo Música de Cámara de Noviembre con Alexei Diorditsa y Frania Mayorquín

Alexei Diorditsa, contrabajista de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, y la pianista tapatía Frania Mayorquín, quien es maestra acompañante en la clase de cuerdas de la Escuela Superior de Música del INBA, interpretarán la Sonata nº 2 en mi menor de Adolf Mísek, el Concierto nº 2 en si menor de Bottesini y la Sonata para contrabajo y piano 1963 de Frank Proto. El concierto se llevará a cabo el miércoles 15 de noviembre a las 20:00 horas, en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).

Originario de Ucrania, Alexei Diorditsa tomó clases de violonchelo con Ludmila Kosenko desde los siete años de edad en la Escuela Superior de Música de Kadievka, y posteriormente de contrabajo en el Colegio Prokofiev de Severodonetsky con Roman Podgaetsky. Realizó sus estudios profesionales en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Ha tocado en varias orquestas y ensambles, como la Academia de Música Antigua y la Orquesta de Cámara de la Organización Estatal de Música de Moscú.

Actualmente, Alexei Diortditsa radica en la Ciudad de México, donde es contrabajista asistente de la Orquesta Filarmónica de la UNAM y maestro de contrabajo en el Conservatorio Nacional de Música. Ha realizado giras por México, Rusia, Holanda, Alemania, Francia, Estados Unidos e Italia, trabajando con directores entre los que se puede mencionar a Zubin Mehta, Dmitri Kitaenko, Michael Pletniev, Tatiana Grindenko, Levon Ambartsumian, Eduardo García Barrios, Lev Markiz, Christopher Hogwood, Reinbert de Leeuw, Gerard Korsten, Ronald Zollman y Zuohuang Chen. Ofreció el estreno en México de A Carmen Fantasy de Frank Proto, acompañado por la OFUNAM.

Por su parte, la pianista mexicana Frania Mayorquín, comenzó su formación pianística con Marco Antonio Verdín en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara, su ciudad natal. Posteriormente se integró al proyecto pedagógico de la Orquesta de Baja California en Ensenada, donde fue alumna de Farizat Tchibirova. Cursó la licenciatura en la Escuela Superior de Música del INBA bajo la guía de Ana María Tradatti.

Frania Mayorquín, quien acompañará al piano a Alexei Diorditsa en esta ocasión, se ha presentado como solista y ha interpretado música de cámara en varias ciudades de México y Estados Unidos. Desde hace cuatro años forma parte del quinteto Tango Nuevo, dedicado a la difusión de la música de Astor Piazzolla así como del tango tradicional. En la actualidad, realiza estudios de posgrado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Continuará el ciclo con otros cuatro recitales

Por su parte, el pianista mexicano Fernando García Torres, quien frecuentemente ofrece recitales en diversas ciudades de la República, y en la Ciudad de México, se presentará el jueves 16 a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez, con un programa integrado por el Preludio y fuga sobre un tema de Händel de Ponce, la Sonata para piano op. 31 nº 3 de Beethoven, el Soneto 104 de Petrarca de Liszt y Kreisleriana, op. 16 de Schumann.

El siguiente concierto estará a cargo del Ensamble Cello Alterno, que se formó en 1996 a partir de la inquietud de dos jóvenes violonchelistas por profundizar en el universo sonoro y en las infinitas posibilidades expresivas de su instrumento, y de su necesidad de explorar, desde una perspectiva renovada, el repertorio existente para diferentes combinaciones de dos violonchelos y piano. Los violonchelistas Iracema de Andrade y Edgardo Espinosa; y la pianista Edith Ruiz, quienes forman el conjunto, cuentan con una beca del Fonca, mediante la cual comisionaron obras a Leonardo Coral, Horacio Uribe y Carlos Sánchez Gutiérrez, mismas que serán estrenadas el miércoles 22 a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez.

El ciclo continúa con la presencia del Onix Ensamble, fundado en 1996 por el flautista y compositor Alejandro Escuer y está integrado por la violinista Viktoria Horti, el violonchelista Adolfo Ramos, el clarinetista Fernando Domínguez y la pianista Krisztina Deli. Se especializa en música contemporánea y ha interpretado algunas de las obras que han dado forma al panorama actual. Su repertorio incluye desde los clásicos del siglo XX hasta las tendencias más recientes y diversas del presente, algunas de las cuales se nutren de disciplinas como el teatro, las artes plásticas y las nuevas tecnologías. Onix Ensamble se presentará el miércoles 29 de noviembre a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez.

Finalmente, el jueves 30 del mismo mes, el Ensamble 3, ofrecerá un recital con obras de Rodrigo Solórzano, Felipe Noriega, Wingel Pérez y Andrés Franco. El Ensamble 3, integrado por el flautista Salvador Torre, el clarinetista Fernando Domínguez y el pianista Mauricio Náder, pretende ser una plataforma de la creación musical contemporánea. Para tal fin, promueve difunde y apoya la labor creativa de los compositores actuales, principalmente mexicanos y latinoamericanos, insertándolos dentro del panorama internacional de la música del siglo XXI.

El Ciclo Música de Cámara del mes de noviembre, continuará con un interesante recital de contrabajo y piano a cargo de Alexei Diorditsa y Frania Mayorquín, el miércoles 15 a las 20:00 horas, en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.). Los boletos ($110.00), están disponibles en la taquilla de la Sala con el 50% de descuento a maestros y estudiantes en general; trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Informes: 5622 7113 y www.musicaunam.net

La acordeonista Arantza Aguirre ofrecerá en Civican un concierto del circuito de jóvenes intérpretes 'Clásicos en Ruta'

La acordeonista Arantza Aguirre ofrecerá un concierto mañana, 15 de noviembre, a las 20 horas en el auditorio de Civican, interpretando obras de Lorentzen, Antonio Soler, Magnus Lindberg, Luis de Pablo, Tchaikovsky, Mozart y Zorn, dentro del ciclo 'Clásicos en Ruta'.


Tras el éxito del concierto celebrado el pasado 8 de noviembre con Judith Jáuregui al piano interpretando obras de Scarlatti, Beethoven y Schuman; la última actuación del ciclo tendrá lugar el próximo 22 de noviembre con Ana María Valderrama (violín) y Vadim Gladkov (piano), que interpretarán obras de Beethoven, Stravinsky, Szymanowski y Wieniavski.

Por tercer año consecutivo, Fundación Caja Navarra participa en el circuito de conciertos 'Clásicos en Ruta', organizado por la Asociación de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) y que tiene como fines la promoción de un circuito de conciertos para que formaciones de jóvenes intérpretes de alto nivel tengan la oportunidad de actuar dentro de un circuito estable; dar a conocer, proyectar y promocionar la trayectoria profesional y la carrera de jóvenes agrupaciones y solistas y, asimismo, difundir la música clásica y la interpretación de los clásicos a través de nuevos valores.

Los conciertos se llevan a cabo gracias a los clientes de Caja Navarra que en 2005 seleccionaron la línea Cultura de la iniciativa 'Tú eliges: tú decides'. En la actualidad, dentro de los más de mil proyectos que pueden elegirse para destinar los beneficios generados en la relación del cliente con la entidad financiera existen ocho opciones que recogen las distintas actividades que se desarrollan en Civican.

ARANTZA AGUIRRE

Arantza Aguirre (Luyando, 1982) inicia sus estudios de acordeón en el Conservatorio Municipal de Amurrio y continúa su formación en el Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga de Bilbao con José Antonio Hontoria. Actualmente, cursa cuarto curso de pedagogía del acordeón en el Centro Superior de Música del País Vasco Musikene con Iñaki Alberdi. Ha realizado programas de perfeccionamiento con Stefan Hussong, Matti Rantanen, Carlos Iturralde, Miren Iñarga, Minny Dekkers y Vojin Vasovic, entre otros.

Entre los galardones obtenidos, destacan el primer premio en el XXV Certamen Guipuzcoano de Acordeón Arrasate, en categoría senior (2004); el tercer premio en el XIII Certamen Internacional de Acordeón 'Arrasate Hiria' (2005) y el primer premio del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España (1996).

Además, Arantza Aguirre ha ofrecido recitales en San Sebastián, Bilbao, Cuenca y otras capitales. Asimismo, ha colaborado con el ensemble contemporáneo de Musikene en el Ciclo de Música Contemporánea de la Quincena Musical y en Musikaste bajo la dirección de Ramón Lazkano, con la Real Fhilarmonia de Galicia, y con Ute Lemper y la Orquesta Sinfónica de Tenerife, ambas bajo la dirección de Manel Valdivieso.

Los Solistas de Cámara de San Petersburgo unen en un concierto en el Palau valenciano a Shostakovich y contemporáneos

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/solistas_camara...

La formación rusa Solistas de Cámara de San Petersburgo se une a la programación que ha confeccionado el Palau de la Música de Valencia con motivo del centenario del nacimiento de Dimitri Shostakóvich con un concierto, mañana miércoles a partir de las 20.15 horas, en el que el quinteto evocará las obras del gran compositor y la de sus contemporáneos, según informaron hoy fuentes del auditorio.

Este quinteto formado en 1991, ofrecerá dos programas dedicados al compositor ruso en los que reúne tanto su música como la de sus contemporáneos más destacados, englobados dentro del 'Ciclo de Cámara y Solistas Internacionales' que cada año ofrece el Palau de la Música en la Sala Rodrigo.

El primero de ellos, mañana 15 de noviembre, se centrará en la figura de Shostakovich con la interpretación de su 'Quinteto con piano' acompañada por la presentación del 'Quinteto con piano' de S. Gubaidulina, compositora nacida en 1931 y cuya música se caracteriza por la exploración de la música popular rusa y asiática.
El segundo de los conciertos se dedicará íntegramente a los contemporáneos de Shostakóvich, con la interpretación de obras de M. Weinberg y A. Schnittke.

St. Peterseburg Chamber Soloist está especializado en música de cámara rusa, aunque su repertorio abarca más de tres siglos. Sus miembros, juntos desde 1995, están íntimamente ligados al St. Petersburg Conservatoire y destacan por virtuosa técnica y su profunda sensibilidad.

La formación rusa está integrada por Ilsa Ioff y Michael Appleman, como violines; Alexei Ludevig, viola; Alexei Massarsky, violoncello, e Igor Uryash como piano.

Roquetas de Mar celebra, del 17 al 24 de este mes, la Semana de la Música con motivo de la festividad de Santa Cecilia

El Ayuntamiento de Roquetas de Mar, a través de la concejalia de Cultura ha organizado la Semana de la Música que se llevará a cabo entre los días 17 al 24 de noviembre en la Escuela de Música, Danza y Teatro, ubicada en el Parador. Esta semana de la Música se hace con motivo de la festividad de Santa Cecilia. Se ha preparando un extenso programa de recitales, que contaran con destacadas figuras de la música.


El viernes, 17 de noviembre a las 20,30 horas, tendrá lugar un recital de piano a cargo de María Concepción Alvarez, que interpretará obras de Mozart, Liszt y Debussy. La pianista nacida en Lieja (Bélgica) en 1981 inicio sus estudios musicales en el Conservatorio de Música de Almería. Posteriormente estudia en el Conservatorio Superior de Música de Murcia.

Actualmente esta dedicada a investigar sobre la vida y obra del maestro y compositor almeriense “Barco”, biografía que va a ser publicada por el Instituto de Estudios Almerienses.

El lunes, 20 de noviembre, a las 20,30 horas se desarrollará un concierto de la Banda de Música “Unión Musical” y la Coral Santa Cecilia de Roquetas de Mar. La Coral Santa Cecilia está dirigida por Encarnación Vilches Collado y se presentó en el año 2001. Nace de la fusión de dos formaciones corales, “La Asunción” de El Parador y “Sol y mar” de Roquetas de Mar. Cuenta con un amplio y variado repertorio en composiciones corales, que van desde lo sacro a lo popular y desde el Renacimiento a la música moderna.

Por su parte, la Unión Musical Roquetas de Mar está dirigida por Juan José Bou Alava y está formada por 38 músicos con edades comprendidas entre los 12 y los 40 años y otros 70 alumnos están recibiendo clases de lenguaje musical y diversos instrumentos en la Escuela de Música.

El martes, 21 de noviembre, le llega el turno al cuarteto de clarinetes Azahar a las 20,30 horas. Esta formación se crea en el año 2000 y se componen de cuatro clarinetes. El repertorio es variado y meno, ya que se interpretan tanto piezas originales como transcripciones de obras muy conocidas que hacen que el oyente disfrute en el concierto. El cuarteto está formado por Pedro Jesús Martínez Cubillas, Juan Antonio Gómez, Ana Isabel Cruz y Ginés Martínez.

El miércoles, a las 18 horas tendrá lugar un concierto didáctico a cargo del grupo de folk andaluz “Lombarda Intimo”. Lombarda es uno de los grupos señeros del folk nacional. En su versión de cámara recibe el título de Lombarda Íntimo. Su trabajo dirigido a niños y niñas puede abarcar un amplio espectro: desde los cinco hasta los doce años, adaptando sus contenidos al público asistente.

Actualmente manejan tres posibles repertorios: Canciones de oficios, Canciones Infantiles y Romances. Todos ellos son el resultado de un esmerado y profundo trabajo de campo, que tiene la intención de acercar de una forma tradicional e intima las distintas formas musicales de la cultura popular de nuestra tierra. El grupo lo componen Sixto Alejandro Moreno: violín, laúd, bandurria, voz y percusiones; Francisco Javier Moreno: guitarra, bandurria, voz y percusiones y
Rosa Moleón: bandurria, guitarra, voz, percusiones

El jueves, 23 de noviembre a las 20,30 horas actuara el grupo Venga Jazz, formación nacida hace dos años como cuarteto y que luego ha pasado a ser quinteto y ahora sexteto. Sus componentes proceden de distintos grupos por lo que todos tienen un amplio bagaje profesional.

Sus componentes son Octavio Santos, piano; Marcos Valverde (contrabajo); Antonio Sáez (batería); Jesús Masero (guitarra); Juanma Linde (saxos tenor alto y soprano) y Antonio J. Valverde (trompeta y fiscorno).

Y el vienes a las 21 horas, tendrá lugar un recital lírico a cargo de la soprano María Pina y el barítono Antonio Ramírez de la Fe, acompañados al piano por Balbina Serna. María Pina es natural de Almería. Cura Filología Inglesa, Lengua y Literatura en la Escuela Universitaria del Profesorado de EGB. Finaliza sus estudios Profesionales de Canto con Premio Extraordinario y los Superiores con Mención Honorífica.

Ha impartido cursos de técnica vocal a coros y profesorado de primaria y secundaria en la Universidad de Almería y en otros estamentos. En la actualidad es profesora de Coro en el Real Conservatorio Profesional de Musicad de Almería.

La pianista Balbina Serna es natural de Callosa de Segura (Alicante). Actualmente compagina la función docente como profesora del Conservatorio de Música de Murcia y como pianista en diferentes cursos de especialización Superior, junto a la formación del profesorado en el ámbito del lenguaje y trastorno de la voz.

Finalmente, el barítono Antonio Ramírez inició sus estudios musicales y la carrera de canto en el Conservatorio Superior de Música de Murcia. Actualmente compagina los conciertos y representación con la labor docente tanto a nivel de la especialidad de canto como en la formación de los profesionales de la voz.

Daniel Levy - El Arte del Piano - de Bach a Rachmaninoff

"Mi piano es para mi lo que una nave es para el marinero, o el caballo para el árabe y aún algo mas. Hasta ahora ha sido mi mismo ser, mi voz, mi vida. Es el depositario de todo aquello que ha conmovido mi naturaleza en los días apasionados de mi juventud. Yo le confié a él todos mis deseos, mis sueños, mis alegrías y mis penas."

Sus cuerdas vibraron según mis emociones y sus teclas obedecieron a todos mis caprichos. En mi estima el piano tiene el primer lugar en la jerarquía de los instrumentos. En sus siete octavas incluye el entero alcance de la orquesta y los diez dedos son suficientes para producir la armonía de un conjunto de cien músicos.

Franz Liszt
La Academia Internacional de Eufonía presenta en Buenos Aires un Ciclo de Conciertos - Diálogo creado e interpretado por el pianista Daniel Levy, titulado EL ARTE DEL PIANO - DE BACH A RACHMANINOFF.

Los Conciertos - Diálogo se desarrollan en cuatro encuentros de una hora y 45 minutos, los días 20, 21, 27 y 28 de Noviembre a las 20.00 hs en el Auditorio del Instituto Goethe, Avenida Corrientes 319.

Este ciclo está dedicado a todos los amantes del instrumento más completo, amado y popular: el piano.

Daniel Levy, artista reconocido internacionalmente como uno de los mejores intérpretes de su generación por su actividad concertística y discográfica, es también educador y escritor. En este ciclo hará presente las creaciones representativas conocidas y aquellas menos frecuentadas de 21 compositores: Bach, Scarlatti, Mozart, Haydn, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Clara Schumann, Brahms, Chopin, Liszt, Grieg, Wagner, Bruckner, Fauré, Debussy, Ravel, Mussorgsky, Scriabin y Rachmaninoff.

Estructurados como clases magistrales e interpretaciones, en forma amena y dirigida al corazón de la inspiración compositiva, los Conciertos - Diálogo son intensas experiencias de escucha eufónica que van mas allá de la forma del concierto tradicional., dirigidas a todo el público amante de la música clásica.

Creador de esta forma de comunicación desde el piano, a través de interpretaciones de alto nivel de excelencia, Levy penetra en el mundo interior y creativo de los compositores que eligieron el piano como instrumento predilecto de sus lenguajes expresivos.

Una experiencia vívida, estética, educativa y generadora de elevadas emociones.

Los participantes deberán frecuentar los cuatro encuentros del ciclo. Las inscripciones se realizarán hasta el 17 de Noviembre y los primeros inscriptos recibirán de regalo un CD de Daniel Levy.

Día 20 de Noviembre - 20hs ELEVACION Y HEROISMO - LO BELLO Y LO SUBLIME
DOMENICO SCARLATTI
JOHANN SEBASTIAN BACH
WOLFGANG AMADEUS MOZART
JOSEPH HAYDN
LUDWIG VAN BEETHOVEN

Día 21 de Noviembre - 20hs NOSTALGIA, ALEGRIA, LUMINOSIDAD Y FANTASIA
FRANZ SCHUBERT
FELIX MENDELSSOHN
CLARA SCHUMANN
ROBERT SCHUMANN
JOHANNES BRAHMS

Día 27 de Noviembre - 20hs COLORES, PAISAJES Y EVOCACION DE RESONANCIAS INTERIORES
FREDERYK CHOPIN
FRANZ LISZT
RICHARD WAGNER
ANTON BRUCKNER
EDVARD GRIEG
WAGNER - LISZT

Día 28 de Noviembre - 20hs REMEMBRANZAS, EL SENTIMIENTO Y EL PODER DE LA ELOCUENCIA
GABRIEL FAURE
CLAUDE DEBUSSY
MAURICE RAVEL
MODESTO MUSSORGSKY
ALEXANDER SCRIABIN
SERGEI RACHMANINOFF

Temporada del Mozarteum Argentino

El violinista Vadim Repin, el barítono Thomas Hampson y otras destacadas figuras darán el presente


La Temporada 2007 del Mozarteum Argentino reunirá una selección de los más destacados artistas y conjuntos de los últimos tiempos. A raíz del cierre temporal por refacciones del Teatro Colón -el Primer Coliseo finalizará la última etapa del Master Plan a tiempo para la celebración de su centenario, en mayo de 2008-, la temporada se llevará a cabo en el Teatro Coliseo, sala en la que durante muchos años el Mozarteum Argentino realizó sus series de conciertos.

Abrirá la temporada, el 19 y 20 de abril, la Budapest Festival Orchestra, dirigida por Ivan Fischer. Sus programas incluirán obras de L. Weiner, Schumann y Beethoven (1er. ciclo, jueves 19 de abril). También, obras de Mozart y Bruckner (2º ciclo, viernes 20 de abril).

El 3 y 4 de mayo se presentará la Britten Sinfonia, con la talentosa pianista Joanna McGregor como solista. Interpretarán obras de Bach, Britten, Stravinsky, Golijov y Gismonti, entre otros (1er. ciclo, jueves 3 de mayo, y 2º ciclo, viernes 4 de mayo).

Pjotr Anderszewski, eximio pianista polaco-húngaro, vendrá por primera vez a nuestro país para presentarse el 10 y 11 de mayo, para lo cual ha programado obras de Bach y Beethoven (1er. ciclo, jueves 10 de mayo, y 2º ciclo, viernes 11 de mayo).

El violinista ruso Vadim Repin, aclamado por la crítica mundial, ofrecerá un recital exclusivo el miércoles 6 (1er. ciclo) y jueves 7 (2º ciclo) de junio en el Teatro Coliseo. "Vadim Repin ha sido comparado con sus gloriosos antecesores -Menuhin, Stern, Oïstrakh-, pero su deslumbrante técnica, su impecable tono y su sonido lo hacen destacarse entre ellos. Sensible, elegante, sutil, profundo y generoso", escribió el parisiense periódico Le Monde , en 2001, mientras que Le Journal lo describió en 2004 como "la reencarnación de David Oïstrakh", y el Berlin Tagesspiegel lo señaló como "el mejor violinista vivo". Según el instrumentista Yehudi Menuhin se trata, simplemente, "del mejor, el violinista más perfecto que jamás escuché".

En su debut porteño, Repin estará acompañado por el pianista Itamar Golan para interpretar obras de Janacek, Brahms, Grieg, Chausson y la Fantasía sobre Carmen, de Franz Waxman.

También en junio, se presentará el deslumbrante cuerpo de bailarines Nederlands Dans Theater II -la compañía joven del prestigioso coreógrafo Jiri Kylian-, considerada una de las agrupaciones de danza más importantes de la actualidad. Los espectáculos están previstos para el martes 26 (1er. ciclo) y miércoles 27 (2º ciclo).

Asimismo, el 2 y 3 de agosto llegarán también por primera vez a Buenos Aires la Capilla Real de Madrid, dirigida por Oscar Gershensohn (1er. ciclo, jueves 2 de agosto y 2º ciclo, viernes 3 de agosto). Los solistas, el coro y la orquesta interpretarán obras de Bach, Haendel, Corselli y De Nebra.

A fines del mismo mes, la Gustav Mahler Jugendorchester -integrada por 115 músicos-, con el barítono Thomas Hampson como solista, se presentará dirigida por Philippe Jordan (1er. ciclo, jueves 30 de agosto, y 2º ciclo, viernes 31 de agosto).

Esta orquesta fue creada en 1986 por Claudio Abbado, quien todavía continúa desempeñándose como su director musical. Hampson -el talentoso cantante lírico que habitualmente sube a escena en las principales salas del mundo, donde es aclamado por el público y la crítica- es uno de los más destacados barítonos de la actualidad y en esta ocasión visitará finalmente nuestro país.

El 5 y 6 de septiembre, el renombrado Cuarteto Hagen, de Austria -compuesto por Lukas Hagen (violín), Rainer Schmidt (violín), Veronika Hagen (viola) y Clemens Hagen (cello)-, ofrecerá dos conciertos exclusivos, con un programa dedicado a Shostakovich, Haydn y Schubert (el miércoles 5 de septiembre, 1er. ciclo y el jueves 6 de septiembre, 2º ciclo).

El almanaque de octubre depara variaciones jazzísticas. Ya en la primera semana, el mes comenzará con la puesta del Jacques Loussier Piano Trio, y sus famosas versiones de la obra de Bach ( Play Bach ), de Ravel y Debussy. El primer concierto será el lunes 8 de octubre, mientras que el segundo, el martes 9 de octubre.

El broche de oro de la temporada 2007 está previsto para los días 30 de octubre (1er. ciclo) y 1° de noviembre (2º ciclo). Para la ocasión, el Mozarteum Argentino contará con la presentación de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo. Dirigida por John Neschling, los músicos sumarán el acompañamiento del destacado violinista canadiense James Ehnes, en calidad de solista.

Todos los conciertos comenzarán a las 20.30.

Las propuestas

  • 19 y 20 de abril. Budapest Festival Orchestra. Director: Ivan Fischer.


  • 13 y 4 de mayo. Britten Sinfonia. Solista: Joanna McGregor, piano.


  • 10 y 11 de mayo. Pjotr Anderszewski, piano.


  • 6 y 7 de junio. Vadim Repin; Itamar Golan, piano.


  • 26 y 27 de junio. Nederlands Dans Theater II.


  • 2 y 3 de agosto. Capilla Real de Madrid. Solistas, coro y orquesta. Director: Oscar Gershensohn.


  • 30 y 31 de agosto. Gustav Mahler Jugendorchester. Solista: Thomas Hampson, barítono. Director: Philippe Jordan.


  • 5 y 6 de septiembre. Cuarteto Hagen (Austria).


  • 8 y 9 de octubre. Jacques Loussier Play Bach Trio.


  • 30 de octubre y 1º de noviembre. Orquesta Sinfonica de São Paulo. Solista: James Ehnes, violín. Director: John Neschling.


  • Se continuará también con la 48° temporada de los Conciertos del Mediodía, la actividad en las provincias, los planes de becas y el Atelier en la Cité des Arts de París.

Frank Fernández, un pianista revolucionario

Por Daniel Díaz

Información Recopilada de CambioDeMichoacan:

http://www.cambiodemichoacan.com.mx/vernota.php?id=53635

En el marco de una conferencia de prensa, el músico cubano habló de lo que mejor sabe hacer: tocar el piano

Para el pianista cubano Frank Fernández la revolución científico-tecnológica «ha devastado el espíritu» de todos los contemporáneos, sin embargo, su expresión artística se puede caracterizar por un «eclecticismo», a pesar de ello se definió como un músico que siempre «hace las cosas lo mejor posible.

«Tengo trabajos importantes en la música popular, como productor de Adalberto Álvarez, del trovador Silvio Rodríguez (en sus discos Días y flores y Rabo de nube), y así, he tenido la posibilidad de ensanchar mi horizonte musical debido a que el mundo actual es ecléctico pues se huye al encasillamiento y se rechaza», explicó el cubano al responder el cuestionamiento sobre la forma en que se podía ubicar su expresión artística.

Comentó que el proceso científico-tecnológico en que se encuentra el mundo ha derivado en una mirada al pasado con la que después «todo es retro, la moda es retro, la música, los autos, la pregunta que yo me hago es por qué la mirada hacia el pasado, yo sé que no es un mirada retrograda u obsoleta, yo sé que no es una mirada para retomar las mejores cosas del pasado y retomarlas con una visión contemporánea, pero de cualquier manera hay una búsqueda, en todo, hasta en las religiones».

Sucesivamente, se le preguntó en qué pensaba cuando estaba tocando el piano y confesó: «Es en el silencio, el momento más hermoso de un artista, cuando ya no hay público, ni periodistas ni música, esos segundos son como subir a la cumbre del Everest, y es eso lo que busco cuando me siento al piano».

En el marco de una conferencia de prensa celebrada en conocido hotel de la periferia de la capital michoacana previa a su participación en el XVIII Festival Internacional de Música, Frank Fernández aseguró que lo que se transmite en el «lenguaje del piano», es el más perfecto y el único que despierta los más profundos sentimientos del ser humano.

En tono bromista Frank Fernández consideró que el calificativo que parte de la prensa rusa le da al señalarlo como un músico que revolucionó la escuela del piano en Cuba, es tan sólo porque su pedagogía constituyó un «giro histórico», pues el hecho de que los «laudeados (sic)» que hasta ese momento había en la isla, «estudiábamos en Europa o en Estados Unidos, pero son mis alumnos los que ganan premios internacionales, como Teresa Carreño sin salir de Cuba; es difícil mantener la tradición y ustedes lo saben (nos decía a los representantes de los medios de comunicación), siendo de una ciudad tan culta».

Frank Fernández es considerado también como un músico que ha logrado entrar en el arte sin diferencias dogmáticas, «es lo que la ha permitido enfrentar con éxito no sólo los disímiles estilos de la música clásica, sino además incursionar en excepcionales pero maravillosas ocasiones en casi todos los géneros de la música popular».

Al final, Frank Fernández comentó: «Vengo a hacer un recital que abarca desde Bach –el mundo barroco- luego Mozart, para llegar a Federico Chopin, el gran poeta del piano; la segunda parte, daré un recital que dedicaré a la danza y a la contradanza cubana y latinoamericana», y adelantó que como parte de su segundo y último concierto en el Festival de Música de Morelia, ofrecerá un homenaje a Miguel Bernal Jiménez al dedicarle su «Suite a dos pianos».

Dúo de violín-piano se presenta en Universidad Técnica Federico Santa María

Dúo de violín-piano se presenta en Universidad Técnica Federico Santa María


Con un repertorio que agrupa virtuosas obras de compositores como César Franck, Dimitri Shostakovich, Wolfgang Amadeus Mozart, Robert Schumann y Fritz Kreisler, se presentará el dúo integrado por el destacado violinista chileno radicado en E.E.U.U., Alejandro Mendoza y la pianista rusa Victoria Foust, el próximo sábado 18 de noviembre, en el Aula Magna de la Universidad Técnica Federico Santa María.

Mendoza es considerado un verdadero maestro del violín debido a sus interpretaciones en los escenarios más exigentes de Norteamérica, Europa, Japón y Corea, logrando posicionarse como un destacado instrumentista desde partiera a los 15 años de edad. En esta oportunidad, Alejandro Mendoza será acompañado por la pianista rusa Victoria Foust, quien en la actualidad es representante del Conservatorio Rimsky-Korsakov en Latinoamérica, desarrollando también una exitosa carrera como solista e integrante de diversas agrupaciones de cámara, tanto en su país, como de forma internacional.

Para la ocasión, el repertorio contemplará las obras Sonata para violín y piano La mayor, de César Franck; Cuatro preludios, op. 34, de Dimitri Shostakovich; Sonata en Si bemol mayor K. 454, de Wolfgang Amadeus Mozart; Tres Romanzas, de Robert Schumann y Praeludium y allegro, de Franz Kreisler.

Alejandro Mendoza, violín

Alejandro Mendoza se ha presentado tanto en el Norte como Sudamérica con gran éxito de público y de la crítica especializada. Desde 1992 mantiene un itinerario regular de conciertos en Japón, Corea y Chile, entre otros países y es considerado en la actualidad como un virtuoso y sobresaliente solista en Estados Unidos. Ha sido destacado por la crítica especializada que lo definió como "el solista exacto que derrocha virtudes". El violinista chileno comenzó sus estudios musicales en la Universidad de Chile a temprana edad y a los 15 años decidió dejar el país para perfeccionar su aprendizaje en EEUU y Europa.

Mendoza ha realizado exitosas grabaciones en EEUU que se transmiten frecuentemente a través de las radioemisoras de música clásica de ese país, lo mismo que ocurre hoy en Latinoamérica. Sus estudios en Estados Unidos los realizó en la prestigiosa Julliard School of Nueva York, donde inició sus labores docentes. Actualmente ocupa el cargo de profesor de violín en la Escuela de Música de Manhatann y presenta clases magistrales durante sus giras por Norteamérica.

Victoria Foust, pianista

Victoria Foust ha ofrecido numerosos recitales y conciertos en diferentes escenarios de Rusia, Finlandia, Alemania y Perú logrando grandes éxitos. Además ha participado en importantes concursos y festivales. Ha colaborado como konzertmeister de opera en grandes producciones líricas junto a los cantantes de los más prestigiosos teatros del mundo: Teatro Mariinsky, Teatro de la Ópera de Helsinski, Teatro de Ópera y Ballet "Rimsky-Korsakov" y Pequeño Teatro de Ópera de San Petersburgo. Entre los años 1994 y 1997 fue konzertmeister del Teatro de Ópera y Ballet Rimsky-Korsakov de San Peterburgo, Rusia y entre 1999 y 2001 fue konzertmeister de la Asociación Prolírica del Perú. Durante los años 1996 y 1997 participó en los conciertos de La Agrupación Richard Wagner de San Petersburgo. En 1997 por su destacada calificación el Conservatorio "Rimsky-Korsakov" de San Petersburgo le otorgó el título de Representante del Conservatorio en Latinoamérica. Su extensa labor como representante empieza en el Perú en el año 1997 y desde entonces ha desarrollado una intensa labor artística, didáctica y pedagógica, promoviendo el delicado arte del piano, su originalidad y sobre todo el estilo de la escuela Rusa.

Verdi y Mozart protagonizan la XXI Temporada de Ópera del Auditòrium

Información Recopilada de UltimaHora:
http://www.ultimahora.es/segunda.dba?-1+10+380079

Verdi y Mozart protagonizan la XXI Temporada de Ópera del Auditòrium


Rigoletto, Nabucco y Otello, de Verdi, y La Flauta Mágica, de Mozart, forman el programa de la XXI Temporada de Ópera de Otoño 2006, que desde hoy al sábado pondrá en escena la compañía del Gran Teatro Nacional de Sofía (Bulgaria) en el Auditòrium de Palma. Esta compañía de ópera, fundada en 1890 y dirigida por Borislav Ivanov y Boris Spasov y es la más antigua de los teatros de Bulgaria. El Teatro Nacional de Sofía ha desplazado a Palma 191 cantantes, músicos y técnicos responsables del montaje, mientras que los decorados han sido trasladados desde Bulgaria.

El drama en tres actos de Rigoletto abrirá la temporada hoy, tras él se podrá ver Nabucco, el 16, Otello, el 17, y al día siguiente cerrará el ciclo La Flauta Mágica, una obra que se ha programado con motivo del 250 aniversario del nacimiento de Mozart. Todas las funciones tendrán lugar a las 21.00 horas. La selección del programa es responsabilidad del director del Auditòrium, Rafael Ferragut, quien señaló que «el público de la Isla prefiere las grandes obras clásicas» y explicó que estas cuatro piezas forman parte de las más de 50 que componen el repertorio habitual de la Compañía de Opera del Teatro Nacional de Sofía.

Ferragut destacó la gran afición por la lírica que hay en Bulgaria, que cuenta con siete teatros nacionales de ópera, «uno por cada millón de habitantes que tiene el país». «En España sólo tenemos dos para 44 millones de personas», dijo en comparación. Borislav Ivanov destacó que su colaboración con el Auditòrium de Palma se remonta a 1977 y recordó que durante estos años, en los que ha acudido a la Isla para situarse al frente de diferentes compañías búlgaras, en Mallorca «se han interpretado las óperas más bellas y más famosas».

Copying Beethoven - Película sobre la última parte de la vida de Ludwig Van Beethoven, desde la presentación en sociedad de la Novena Sinfonía

Información Recopilada de OcioJoven:
http://www.ociojoven.com/article/articleview/973480/1/5/copying-beethoven.html

Película sobre la última parte de la vida de Ludwig Van Beethoven, desde la presentación en sociedad de la Novena Sinfonía


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Últimamente en el cine se estila bastante el biopic, con mayor o menor fortuna, y siempre hay algunos personajes que llaman más la atención que otros, por su más o menos vida ajetreada, por lo que hicieron o por su personalidad. Así, una película sobre Beethoven puede, aún sabiendo de antemano que fue un genio y que gozaba de un carácter difícil, espantar a más de uno si no está medianamente interesado en la música clásica.

Pero bajo este supuesto tema plomizo se esconde una estupenda película. Se trata de una historia basada en la vida del famoso compositor, pero en la que se han añadido partes ficticias, empezando por el personaje de su copista Anna Holtz, encarnado por Diane Kruger. Narra la relación existente entre Beethoven (un inspirado Ed Harris) y esta chica, que llega a su casa para ayudarle a trabajar en la famosa Novena Sinfonía, que debe ser presentada en cuatro días. Se trata de una relación que se va intensificando, con abundancia de primeros planos, a medida que transcurren los minutos, a través de situaciones cotidianas, a través de momentos en los que trabajan con la música y, en definitiva, a medida que se van conociendo y Beethoven acepta a su copista como tal.

Porque Beethoven es un genio, pero también un hombre grosero, machista, imponente y con un carácter muy fuerte, aunque también sabe perdonar y ser bondadoso. Ed Harris encarna con fuerza y talento el carácter del músico, y no es un personaje fácil. Lleno de expresión, sale por la puerta grande con su interpretación, ayudada por el increíble parecido físico que han conseguido darle. Diane Kruger se revela en esta película como una gran actriz, su interpretación emociona, y mantiene una expresividad que aguanta totalmente el peso de su personaje. Los personajes, además de excelentemente interpretados, están bien construidos, y se benefician de que el guión se sujeta solamente en los dos protagonistas. No nos dibujan apenas la sociedad de la época, quizá le falte un poco esto, y apuesta solamente por la relación entre ellos y la música. A lo largo del filme hay algunos toques de humor, bastante grotescos, como el carácter de su protagonista, y la verdad es que el conjunto se sostiene bien sin necesidad de recurrir al exterior en demasía.

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La música. Obviamente es parte fundamental en la película. Se hace un retrato de la música como idioma místico, como parte de la religión; para Beethoven es un vehículo espiritual para relacionar a Dios y al hombre. Pero en la parte de la realización, las escenas musicales cobran vida propia y son el verdadero motor del filme. Hay una escena llena de intensidad en la que Anna está copiando partituras y suena la obra de fondo, pero esto es solamente un preámbulo de la escena fundamental de la película, y que no es otra que la presentación en sociedad de la Novena Sinfonía de Beethoven. El concierto resulta vibrante, apoteósico y se convierte en el auténtico clímax de la película. Cuando suena con una fuerza inusitada el Himno de la Alegría es un momento de éxtasis y que le hace a uno pegarse al asiento, utilizando sólo el poder de la música y sin recurrir a ningún otro aspecto. Si el espectador ha conseguido conectar con la película, es fácil que se le pongan los pelos de punta. La fuerza de la escena es evidente, y en su parte final una cámara nerviosa, de planos cortos, otros rápidos rodeando los palcos hacen que se ponga un punto final adecuado. Además, se juega de forma magistral con la sordera galopante que sufría ya el músico, creando una situación de exaltación total al final del concierto.

Después hay unos ciertos momentos de bache, de los que se recupera para dar paso a la parte final. Hay una escena en la que Beethoven dicta sus composiciones, que recuerda bastante a la de Mozart en Amadeus, de Milos Forman. Los últimos días de Beethoven están marcados por su enfermedad y por la incomprensión de sus postreros trabajos, pero la genialidad reside en su modernidad y atrevimiento y servirán de legado para las próximas generaciones. Y ya el final deja una puerta abierta al optimismo, es un paso hacia la libertad de la persona y da una sensación de haber conseguido los objetivos.

En resumen, es una más que interesante película sobre un más que interesante personaje de la historia.

Jóvenes intérpretes participarán en el XIII Premio Montsalvatge de Piano

Jóvenes intérpretes participarán desde mañana hasta el próximo domingo en el Auditori de Girona en el XIII Premio Montsalvatge de Piano, dotado con 6.000 euros.


Las pruebas eliminatorias se celebrarán desde mañana hasta el sábado, mientras que la prueba final y el concierto de los ganadores tendrá lugar el domingo. La entrada será gratuita.

El Premio Xavier Montsalvatge de Interpretación de Música Contemporánea para piano se enmarca dentro de los premios Ciutat de Girona, se celebra cada dos años y tiene como objetivo incentivar el estudio y la interpretación del repertorio pianístico contemporáneo, además de la difusión de la música catalana contemporánea.

El concurso, abierto a todos los pianistas, sin limitación de edad ni nacionalidad, está dotado con un premio de 6.000 euros para el ganador y de 3.000 para el finalista. Además, el ganador será contratado para una gira promocional de un mínimo de tres conciertos en distintas ciudades europeas.

El jurado, presidido por Carlos Roqué Alsina, está formado por personalidades de prestigio internacional como el maestro Josep Maria Mestres Quadreny y los pianistas Carine Zarifian y Jean-Pierre Dupuy.

lunes, noviembre 13, 2006

Majestad del color instrumental

Por Marc Jean-Bernard:
El maestro Guillermo Figueroa, la Orquesta Sinfónica y el clarinetista Ricardo Morales ofrecieron el pasado viernes en el CBA Luis A. Ferré una velada de excepcional calidad

La más alta poesía del colorido instrumental y de la escritura orquestal, caracterizó en su conjunto el cuarto concierto de abono de la temporada sinfónica el pasado viernes en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré.

Siguiendo un hilo temático consistente, la velada sinfónica protagonizaba en su primera parte el clarinete suntuoso y terciopelado del reconocido clarinetista puertorriqueño Ricardo Morales con dos estribos mayores de su repertorio, para cerrarse con broche de oro orquestal en la Séptima Sinfonía de Dvorak.

Las interpretaciones de este programa son merecedoras de una grabación discográfica como exposición de la gesta musical en Puerto Rico.

Ovacionado en cada una de sus partes por un público conocedor, dicho acontecimiento solístico y sinfónico acaudillado por la batuta del maestro Guillermo Figueroa hubiese merecido contar con la máxima asistencia que suele honrar los conciertos de semejante envergadura artística. Desde los ecos de la encendida calle antillana poetizada por Palés Matos hasta el intenso melos checo, pasando por el timbre del romanticismo alemán, todo sucedió como si el programa condujese la audiencia por los caminos estéticos del nacionalismo musical, con compositores que sin embargo representaron una potente superación del folclorismo y del mismo concepto ambiguo de nacionalismo musical.

La reina Tembandumba de Jack Delano fue la emblemática obertura de semejante peregrinación musical. El evidente éxito de la interpretación entusiasta e incisiva brindada por la orquesta nos demostró cómo el lenguaje musical de 1966 del polifacético creador, el cual descreía de los plagios obligados del europeismo o del nacionalismo, pasó la prueba del tiempo. El colorido ropaje orquestal de la reina Tembandumba de la Quimbamba, tejido y destejido por una lectura precisa y contrastada, tuvo la justa intensidad rítmica y melódica que requería la transfiguración musical de la Majestad Negra de Palés Matos.

Según una improvista modificación en el orden del programa (cronológicamente y musicalmente adecuada, sin embargo), Ricardo Morales brindó a continuación una impecable interpretación del Concertino para clarinete en mi bemol J. 109/Op. 26 de Carl Maria von Weber, primera instancia de la trinidad concertante dedicada en 1811 al timbre onírico del clarinete por el autor del Freischütz.

El poético virtuosismo de Ricardo Morales se desplegó en una lectura detalladísima de las sucesivas variaciones del tema romántico por antonomasia, embelleciendo los sutiles detalles de ornamentación y fraseo sugeridos por las dos versiones de la partitura. Antes del Allegro final, el centro poético de su interpretación radicó en una ofrenda sosegada del registro grave del clarinete propiciada por Weber en el meditativo Andante del Concertino.

Tras un largo momento de instalación escénica, el maestro Figueroa y el solista ofrecieron una versión elaborada estilísticamente y cómplice del difícil Concierto para clarinete y orquesta del compositor norte americano Aaron Copland (1900-1990).

Slowly and expressively, el primero de los dos movimientos de esta obra comisionada por el clarinetista de jazz Benny Goodman, se abrió con adecuada majestad lejana, donde las insinuaciones de Satie y Debussy fueron nítidamente estampadas por el arpa y el piano. Lejos de enmarcarse en una ilustración americanista dominada por el jazz, la obra ofreció al clarinetista puertorriqueño un espació ideal para lucir sus cualidades de ritmo y de comprensión del estilo melódico, donde los ecos de América del Norte y de América Latina se plasman en una constelación musicalmente autónoma. Tras una cadenza de madura brillantez, el Rather fast final fue magnificado, exceptuando un leve contratiempo, por la lectura orquestal.

En la segunda parte, Guillermo Figueroa, cuya afinidad con el estilo sinfónico de Dvorak es notable, presentó una de sus mejores interpretaciones del compositor checo desde el inicio de su liderazgo como director titular.

Dirigida enteramente de memoria, la Séptima sinfonía simbolizó en sus cuatro movimientos la excelencia de cada una de las secciones de la orquesta, ya distinguidas desde la Obertura de Delano. El gesto arquitectónico del maestro Figueroa, privilegiando como clave de la interpretación general la energía vital o el tenso lirismo del compositor checo en su obra más universal -y no el pathos ruidoso-, fue servido por una orquesta particularmente concentrada, donde sobresalieron la intensidad de línea de los arcos, la rara pureza de las maderas y la gloriosa apoteosis de una sección de vientos metales galvanizada.

Las interpretaciones de este programa son merecedoras de una grabación discográfica como un excepcional testimonio de la gesta musical que se fragua en Puerto Rico.

Dos estrenos en Chile y Magnificat de Vivaldi por la Sinfónica

Por Romina de la Sotta:

Información Recopilada de RadioBeethoven:

http://www.radiobeethoven.cl/panoramas/musica/684.act

La Sinfónica de Chile estrena el viernes 27 y sábado 28 una obra de Vanhal y otra de Takemitzu. Completan el programa una creación de Debussy y el Magnificat de Vivaldi, con la Camerata Vocal de la U. de Chile. Aquí, hablamos con el director, Nicolás Rauss.

Tardo-barroco, clásico temprano e impresionismo de ayer y hoy. El viernes 27 y el sábado 28 de octubre, siempre a las 19.30 horas y en el Teatro Universidad de Chile, la Orquesta Sinfónica de Chile presenta junto con la Camerata Vocal de la Universidad de Chile, dirigida por Juan Pablo Villarroel, el Magnificat de Antonio Vivaldi. El programa de la segunda fecha de la Temporada de Primavera 2006 contempla además dos estrenos en Chile: el Concierto para dos fagotes y orquesta del compositor de origen checo Johann Baptist Vanhal, con los solistas Nelson Vinot y José Molina, y “Una bandada de pájaros desciende al jardín pentagonal”, del japonés Toru Takemitzu. Cierra esta jornada “Iberia” de Claude Debussy. Dirige nuevamente el suizo Nicolás Rauss.

Con respecto al Magnificat de Antonio Vivaldi, recordemos que el Magnificat, cántico que proviene del Evangelio de Lucas, habría sido recitado por la Virgen María cuando visitó a su prima Isabel, quien estaba embarazada. Según este relato, Juan el Bautista se movió en el vientre de su madre al oírlo. El magnificat es uno de los tres “cánticos evangélicos” y se asigna a las Vísperas. Se han musicalizado de manera regular desde el medioevo, específicamente a través del canto gregoriano, y para ser interpretados en las ceremonias litúrgicas. El más famoso de los primeros corresponde a Claudio Monteverdi alrededor de 1610. Ver a href=" http://www.radiobeethoven.cl/cgi-bin/enciclopedia_persona.cgi?id=289"target="***"> biografía de Vivaldi.

Concierto para dos fagotes y orquesta de Johann Baptist Vanhal es, según el director Nicolás Rauss, “una cosa bastante particular, partiendo de que se trata de dos instrumentos de viento graves. Vanhal es un compositor de la época de Haydn, quien tenía una difusión extraordinaria, tanto que se encuentran sinfonías copiadas e incluso algunos compositores agregan a sus sinfonías movimientos de Haydn para poder venderlas mejor. En este contexto, Vanhal el segundo más conocido por sus sinfonías, aunque ahora ha caído un poco en desgracia”.

El conductor suizo agrega que esta obra de Vanhal que estrena la Sinfónica en Chile es “un concierto clásico, debido a que están estos dos instrumentos relativamente graves de tesitura, y además el segundo movimientos, el lento, no tiene violines, aparecen los dos fagotes con viola, chelo, y contrabajo, de manera que son colores y configuran un cuarteto de partes”.

Para los solistas Nelson Vinot y José Molina Fagotista, este estreno tiene es doblemente novedoso: consideran que este compositor es muy desconocido en Chile, nunca lo han visto en una programación de concierto; y tampoco es frecuente hacer un concierto a dos fagotes. Para ellos, la inclusión de esta obra refleja el carácter de las temporadas de la Sinfónica, en que no sólo se dan a conocer obras y se difunden autores, sino también se muestran combinaciones instrumentales no corrientes.

Vanhal (1739-1813) nació en Bohemia y se formó primero como organista, director coral e instrumentista, y compartió escenario con Haydn y Mozart. Fue uno de los compositores más prolíficos de su tiempo y en su catálogo se encuentran sinfonías, música coral, música de cámara, cuartetos de cuerdas y conciertos. Ver biografía de Vanhal.

La mitad impresionista

La segunda parte del concierto del viernes 27 y sábado 28, para Nicolás Rauss, presenta una obra impresionista contemporánea y otra de principios de siglo XX. Con respecto a “Una bandada de pájaros desciende al jardín pentagonal”, de Toru Takemitsu, describe a este autor japonés como un post Ravel contemplativo y aclara que su concepto de tiempo es muy oriental. No hay en Takemitsu el dramatismo de un Beethoven o un Verdi, en el sentido propio de la acción. Existen pequeñas burbujas de música, y después silencios entre ellas. Takemitsu dijo que compara su música a lo que se sabe hoy del canto de los delfines, porque se supone que el silencio que hay entre cada grito del delfín entrega más información a los otros delfines que el grito mismo. Y en Takemitsu, estas pausas tienen mucha importancia. Es contemporáneo, no son acordes reconocibles, desde luego, hay una profusión de sonidos enorme, pero el carácter es impresionista porque son impresiones muy contemplativas y sonoridades. Takemitsu puede reconciliar con la música contemporánea a quienes le temen, porque si bien hay acordes disonantes, la forma en la cual lo orquesta y la dulzura con la que se debe tocar, suena muy lindo, muy acariciante”.

El músico suizo profundiza en esta obra de doce minutos de duración que representa a una bandada de pájaros que desciende sobre un jardín pentagonal. La geometría del jardín, aclara, sólo guarda relación con la estructura formal de la obra, que arma grupos de notas en torno a la cantidad de cinco. “La bandada es una imagen, no así el jardín, ya que para Takemitsu cualquier jardín es un mundo donde uno se puede quedar horas mirando, siempre descubriendo algo nuevo”. biografía de Takemitsu.

Cierra esta nueva presentación de la Sinfónica de Chile la composición “Iberia” de Claude Bebussy. “Ésta es una obra puntillista. Si la comparamos con El Mar, que sería como Van Gogh, Iberia son pequeñas pinceladas muy precisas. Es una visión es totalmente irracional de España de Debussy, porque él no conocía España. En el primer movimiento hay temas españoles, pero yo diría que no tienen mucha importancia, son pretextos y el resto es un placer de color orquestal, de una orquesta que ya no es tan burbujeante, sino más bien incisiva”, describe Rauss, y continúa: “están Por los caminos de Cataluña, Los Perfumes de la noche, una pieza deliciosa como composición, armonía y orquesta; y la Mañana de un día de fiesta, donde la música se descompone, ya es más moderno, uno espera y cuando cree que va a llegar algo es la última nota. Hay ruidos de fanfarrias y de guitarras, y existe un momento que encuentro genial y del cual Debussy estaba orgulloso, es al final de Los Pefumes de la noche, que termina y entra la Mañana, en forma no muy clara, uno no sabe cuándo termina un movimiento y empieza el otro. Debussy, muy orgulloso, dijo alguna vez ‘parece que no estuviera escrito’, porque consideraba que la música anterior a él tenía el defecto de estar demasiado escrita”.

Después de haber terminado en 1905 su celebrado poema sinfónico más celebrado “El Mar”, Debussy compuso una serie para orquesta que él proyectaba como una obra sinfónica unitaria, pero quedó como tres composiciones independientes, “Iberia”, “Ronda de Primavera” y “Gigas”. La primera es de 1909. Ver biografía de Debussy.

Dos jóvenes promesas del piano y el violín, en el museo Evaristo Valle

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Martín García y María Díaz-Caneja actuarán mañana dentro del programa del Aula de Cultura de EL COMERCIO

Los jóvenes músicos Martín García y María Díaz- Caneja Angulo serán los grandes protagonistas de la actividad del Museo Evaristo Valle, mañana. Ambos ofrecerán el concierto del Aula de Cultura de EL COMERCIO, que dará comienzo a las seis de la tarde.

Considerados dos jóvenes promesas, procedentes de la Escuela de Música Viva Tchaikovsky, ejecutarán un programa con obras de Bach, Mozart, Schumann, Debussy y Schostakovich, en el caso de Martín, que demostrará sus cualidades al piano, tras ganar el segundo premio en el IV Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas 'Anna Artobolevskoya' .

Entrada gratuita

María Díaz-Caneja, intérprete de violín pondrá toda su pasión de un repertorio bien distinto. Las obras que la joven violinista ejecutará en el Evaristo Valle serán de Saint-Saëns, Paganini, Chausson, Ysaye y de P. Sarasate.

La actuación de los dos jóvenes músicos será de entrada gratuita. No obstante, debido al limitado aforo del museo, quedara limitada hasta agotar su capacidad.

Al paso de los nuevos tiempos

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(Imagen) Alfonso García de la Torre en el Laboratorio de Electroacústica que él dirige.

Es innegable la huella que Carmelo Bernaola dejó en Vitoria a lo largo de los años que estuvo al frente del conservatorio Jesús Guridi. Con un nuevo edificio al final de la Avenida Gasteiz, el maestro construyó un tejido cultural que hoy sigue dando sus frutos. Un hombre que, además, tuvo claro desde el primer momento en que llegó a la capital alavesa que el centro que gestionaba debía formar en lo clásico pero también ser un motor para lo moderno, lo actual, lo contemporáneo, consciente, como varios de sus colegas, de que era imprescindible caminar al paso de los tiempos sin estar siempre mirando a las mismas referencias. Por ello, y junto a otros profesionales, puso en marcha en 1985 el Laboratorio de Electroacústica, espacio pionero dentro del panorama estatal.

Seguro que a muchos, sobre todo por el desconocimiento de la producción musical del siglo XX, les suena extraño el concepto de la electroacústica y ello a pesar del esfuerzo que durante las dos últimas década ha realizado el conservatorio en este campo. Pero, en realidad, las cosas son más sencillas de lo que puedan parecer en un principio. "No deja de ser música. Lo que pasa es que en el proceso de creación de las obras y en su interpretación se emplean medios electrónicos de todo tipo, sintetizadores, mesas de mezclas, difusión por medio de diversos altavoces, así como instrumentos acústicos tradicionales. Estos aparatos, propios del siglo XX, han supuesto toda una revolución en cuanto a la producción y la escucha", explica Alfonso García de la Torre, responsable del Laboratorio, además de compositor y músico.

En el segundo piso del centro gasteiztarra se encuentra esta habitación llena de cables y aparatos de todo tipo. Por aquí han pasado en estos veinte años una lista innumerable de alumnos, profesores, músicos y compositores, algunos de ellos bien conocidos. Aquí han podido conocer, experimentar y, sobre todo, darse cuenta de que la tecnología es un medio más para la creación.

"El ordenador es el instrumento de nuestro tiempo pero sin ideas no es nada. Es un medio para conseguir un fin", apunta García de la Torre. En este sentido, el Laboratorio ha supuesto un punto de encuentro fundamental para aquellos profesionales interesados en ahondar el la creación contemporánea, colocando a Vitoria en una importante posición a nivel europeo, algo a lo que también ha ayudado la organización desde el conservatorio de los festivales Carmelo Bernaola (que ahora se está desarrollando) y Sinkro (que llegará a principios de año).

"Si estás acostumbrado a escuchar sólo sinfonías de Beethoven, todo lo demás seguro que te parece raro. Existe una focalización excesiva en nuestra cultura hacia la música del romanticismo, olvidándose todo el desarrollo musical del siglo XX" describe García de la Torre para recordar que "hay compositores del siglo pasado que nosotros consideramos ya clásicos cuyas obras ni siquiera se han estrenado en España".

Trabajo En esta doble faceta, la pedagógica y la difusora, el Laboratorio juega un papel fundamental desde su puesta en marcha. En el primer aspecto, el responsable de este espacio explica que "los alumnos pasan por este aula para conocer todos los medios electrónicos, es decir, ordenadores, sintetizadores, mesas de mezclas... Se trata, ante todo, de mostrar que el ordenador es un vehículo más para su formación, de que sepan producir sus propios CD hasta crear sus sonidos para luego hacer algo compositivo. Es decir, que entiendan que es una herramienta muy útil".

En lo que respecta a la difusión de la electroacústica, el Laboratorio produce y apoya, en el aspecto técnico, conciertos. Se trata de que las actuaciones tanto propias como ajenas pero que se realizan en Gasteiz se hagan con calidad, aspecto fundamental en este campo.

Eso sí para que el sonido adopte su significado definitivo necesita del público. "Al que nunca ha escuchado música electroacústica lo primero que se le presenta es la sorpresa de la difusión sonora. Ya no es una fuente de sonido que proviene del escenario, sino que puede salir de seis, ocho o diez altavoces. El primer impacto es la tridimensionalidad del sonido, esa sensación de que el componente espacial del sonido tiene su valor en la música, que es algo que se había perdido y que todavía sigue un poco descuidado porque los espacios acústicos hoy están diseñados a la manera del siglo XIX", asegura García de la Torre.

Además, el hecho tecnológico también permite dar a las notas una plasticidad importante. "Puedes moldear el sonido electrónico a tu antojo, como si fuese barro. Puedes hacer transformaciones sonoras, procesamientos de sonidos en tiempo real...", comenta. Asimismo, los conciertos electroacústicos y contemporáneos están aportando cada vez más un carácter multidisciplinar.

Por ello, los conciertos son hoy también danza, teatro, vídeo... "El compositor actual debe mirar a lo que sucede a su alrededor. Eso supone, primero, entrar en contacto con gentes de otras disciplinas y con ellos hacer obras de carácter multimedia. Todo ello sin olvidar, evidentemente, el lado musical", apunta el director del Laboratorio.

De todas formas, a pesar del trabajo realizado desde el conservatorio en estas dos décadas y la labor que desarrollan las escuelas de música y centros culturales, lo cierto es que las actuaciones que se organizan a lo largo del año tienen todavía un público más reducido que otras expresiones culturales.

"En lo que respecta a los alumnos de los centros de formación, ahí tenemos una labor importante los profesores, que tenemos que ser capaces de inculcar la importancia que tiene acudir a escuchar. Es fundamental. Hay que experimentar porque es lo que te va formando. Es un aspecto en el que también juegan un papel importante los padres", dice García de la Torre.

Porque ahí está la clave de la formación de los estudiantes que pasan tanto por el conservatorio como por el Laboratorio, en la experimentación y la práctica. "Los alumnos no dejan de recibir una formación clásica pero cuentan con la ventaja de que éste es uno de los centros de enseñanza más activos que conozco. Además, están en una ciudad comprometida con la creación actual. Culturalmente, Vitoria es un lugar muy potente y en lo que concierne a la música no nos podemos quejar. Otra cosa es la resonancia que tengan las actividades que desarrollamos. Pero haciendo balance, creo que podemos estar muy orgullosos incluso a nivel europeo", afirma García de la Torre.

Impulso de iniciativas En estos más 20 años de camino, el Laboratorio además ha sido precursor de dos iniciativas importantes, la generación de un grupo propio y el impulso de los festivales Carmelo Bernaola y Sinkro.

En cuanto al primer aspecto, hace un par de años que el Grupo Instrumental Jesús Guridi se reconvirtió en el Ensemble Espacio Sinkro, aunque el cambio de nombre no es que haya supuesto una ruptura con lo anterior. Con una denominación u otra, en este tiempo la formación ha estrenado más de un centenar de obras de compositores tanto cercanos como de otros lugares, como ha sido el caso de Zuriñe Guerenabarrena, Bingen Mendizabal, Antonio Lauzurika, Sofía Martínez, Francisco Ibáñez, Ignacio Monterrubio, Sergio Gutiérrez o el propio García de la Torre.

En lo que se refiere al segundo, los dos certámenes celebrados en Gasteiz son una ventana abierta a lo que se está haciendo en estos momentos en diferentes partes del mundo. "Tal vez el Carmelo Bernaola es más acústico, es decir, abarca un espectro más amplio del siglo XX que de forma habitual no se escucha. Muchos programadores no se arriesgan en este sentido. El Sinkro es más música experimental, con más medios electrónicos", diferencia el responsable del Laboratorio.

Dos citas anuales que se suelen desarrollar tanto en el Aula Magna del conservatorio (lugar diseñado por José Luis Catón que es muy valorado por los músicos aunque la ciudadanía no lo conozca tanto) como en espacios diferentes, siendo Artium y Montehermoso dos ejemplos de los últimos tiempos.

De todas formas, García de la Torre también está expectante ante la futura o no construcción de un auditorio en la ciudad. "El debate hoy sigue en lo mismo, si se debe hacer o no, pero lo que nos debería interesar es el plano artístico. Eso qué quiere decir, pues que el espacio debe tener salas acondicionadas para la música del siglo XXI. No me vale la disposición típica a la italiana. En España se han hecho cientos de auditorios así, donde la sala principal no reúne las condiciones para hacer ópera y música contemporánea. Siempre se habla del lugar más pequeño como punto alternativo. Pero eso no me vale. Yo quiero vivir con mis tiempos y si se construye un auditorio nuevo lo que debería es programar música de nuestro tiempo en las condiciones adecuadas para que las producciones actuales se puedan llevar a cabo", defiende.

Futuro Tal vez dentro de poco esa infraestructura tenga su horizonte más despejado, aunque de momento parece complicado. Pero con o sin ella, el Laboratorio seguirá trabajando como lo ha hecho hasta ahora, siendo un referente y llevando su experiencia, técnica y sonido a diferentes puntos de Europa y Latinoamérica.

"Ahora queremos seguir saliendo al exterior. En 2007 estamos pensando en hacer una gira por fuera para dar a conocer obras compuestas aquí", explica García de la Torre, quien también afirma que "además, el Laboratorio no debe olvidar su labor pedagógica, es decir, intentar integrar las nuevas tecnologías en la formación musical para que los chavales que salgan de cualquier conservatorio sepan tocar un instrumento pero también cómo manejarse con la electrónica y la informática".

En esa senda sigue esta experiencia que Carmelo Bernaola puso en pie pero camina sola con la intención de que el público y la música de hoy se encuentren, conozcan y disfruten